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For her first solo exhibition at DITTRICH & SCHLECHTRIEM, part of Gallery Weekend Berlin, Zuzanna Czebatul presents All the Charm of a Rotting Gum — a project that investigates how power and its cultural narratives persist and evolve over time. Using the Pergamon Altar — currently hidden from public view — as a conceptual anchor, the artist reinterprets symbols of political dominance to raise questions about representation, appropriation, and control. In this interview, Czebatul discusses her early encounters with monuments, the use of irony as a destabilizing tool, and the challenges of working within institutional systems still shaped by nationalist legacies.
Ahead of the opening, Zuzanna spoke with confident clarity about some of the core questions behind All the Charm of a Rotting Gum. Below, the artist reflects on monuments, irony, power, and the complex realities her work seeks to uncover.
Your work revolves around the aesthetics of power. Do you remember the first monument or architectural gesture that made you question what it was representing?
As a child who had just migrated from Poland to Germany, I was struck by Claes Oldenburg’s Collar and Tie sculpture in Frankfurt am Main. Absurd, oversized, and strangely corporate, it looked like a massive necktie that had slipped off one of the skyline’s high-rises and landed between the glass towers. As a kid, I never would have expected to find such a playful, surreal object in the midst of a sober environment for grown-ups like the financial district. It was a monument that didn’t glorify the church, a historical figure, or a battle — but instead offered a quiet critique: of capitalism, masculinity, and authority.
Coming from a different political system, I was still trying to understand how power manifested itself in this new context. That sculpture didn’t celebrate power — it mocked it, or perhaps even tripped it up. That tension taught me that monuments can speak not only of pride or memory, but also of doubt, irony, and collapse.
“All the Charm of a Rotting Gum” offers a renewed perspective on the Pergamon Altar. What does it mean to you to reimagine an imperial icon at a time when it’s absent from public view?
Its absence has been the ideal moment for me to take up that heavyweight of German cultural history. To reproduce it while you can still visit the original wouldn’t be the same. The Pergamon Altar has been physically and symbolically elevated as a masterpiece of Western civilization, but it’s also a fragment — extracted, reframed, and politically repurposed. Its current invisibility feels symbolic of a broader crisis of representation in our cultural institutions: Where is all that stuff from? What stories are being held, and who gets to tell them?
Deconstructing this world heritage — materially and mythologically — allowed me to consider what it means when something monumental and immobile suddenly manifests somewhere else. The digital reanimation of the Gigantomachy became a way to re-stage power dynamics not as fixed narratives, but as mutable scenes open to re-reading. Its physical closure gave the work conceptual oxygen.
What role does irony play in your work?
Irony allows complexity to remain visible. When dealing with symbols of authority, there's always the risk of simply reproducing what you intend to critique. Irony, for me, is a tool of destabilization. It opens up double meanings and makes space for contradiction. I’m not interested in creating a singular, didactic message — I want people to look twice, to feel unsettled or even amused, and then to notice what that feeling tells them about their relationship to power.
This exhibition also features a piece that merges Christian imagery with riot police gear. What are you trying to say about the relationship between religion, the state, and control?
Beyond Christian associations, the works also evoke mandalas or totems. Merging religious symbolism and tactical gear isn’t accidental. Both are systems that use image, ritual, and architecture to assert authority. When you strip away the emotional narratives, you're left with a visual regime: one that organizes bodies, defines morality, and controls space.
By reconfiguring these elements into symmetrical, mandala-like forms, I wanted to explore how even violence can be aestheticized, made sacred, or hidden beneath the surface of order. These aren’t just tools of protection or faith — they are also instruments of suppression. What happens when we make that aesthetic explicit?
We’re living through a resurgence of nationalist narratives. What challenges do you face as an artist when directly addressing these symbolic constructions?
One of the challenges is navigating between critique and co-option. Working with cultural heritage or institutional architecture means stepping into a symbolic minefield. These forms are emotionally charged, and people often project onto them — defensively or nostalgically.
But I think the bigger challenge is the institutional context itself. When you work within systems that are themselves bound up in nationalist or colonial legacies — museums, universities, public commissions — there’s always the question of complicity. How do you deconstruct from the inside? How do you make something unstable without it being immediately reabsorbed? Art isn’t immune to power; it circulates within it. The goal isn’t purity — it’s friction. I try to create spaces where that friction becomes visible.
ALL THE CHARM OF A ROTTING GUM
En su primera exposición individual en DITTRICH & SCHLECHTRIEM, en el marco de Gallery Weekend Berlin, Zuzanna Czebatul presenta All the Charm of a Rotting Gum, un proyecto que explora cómo el poder y sus narrativas culturales persisten y mutan en el tiempo. Con el altar de Pérgamo —actualmente oculto al público— como punto de partida, la artista reinterpreta íconos de hegemonía política para abrir preguntas sobre representación, apropiación y control. En esta conversación, Czebatul habla sobre sus primeras intuiciones frente a los símbolos de autoridad, el uso de la ironía como estrategia de desestabilización y los desafíos de trabajar dentro de sistemas institucionales atravesados por legados nacionalistas.
Antes de la inauguración, Zuzanna habló con una claridad firme sobre algunas de las preguntas centrales detrás de All the Charm of a Rotting Gum. A continuación, la artista reflexiona sobre los monumentos, la ironía, el poder y las complejas realidades que su obra busca revelar.
Tu trabajo gira en torno a la estética del poder. ¿Recordás el primer monumento o gesto arquitectónico que te hizo cuestionar lo que representaba?
De chica, recién llegada de Polonia a Alemania, me impactó la escultura Collar and Tie de Claes Oldenburg en Frankfurt am Main. Absurda, desproporcionada y extrañamente corporativa, parecía una corbata gigante que se había deslizado de uno de los rascacielos y había quedado tirada entre las torres de vidrio. De niña, jamás habría esperado encontrar algo tan lúdico y surreal en un ambiente tan sobrio y adulto como el distrito financiero. Era un monumento que no glorificaba a la iglesia, ni a un prócer ni a una batalla, sino que planteaba una crítica silenciosa: al capitalismo, a la masculinidad, a la autoridad.
Venía de un sistema político muy distinto, y todavía estaba tratando de entender cómo se manifestaba el poder en ese nuevo contexto. Aquella escultura no celebraba el poder: lo ridiculizaba, o incluso parecía hacerlo tropezar. Esa tensión me enseñó que los monumentos no solo pueden hablar de orgullo o de memoria, sino también de duda, de ironía y de derrumbe.
"All the Charm of a Rotting Gum" ofrece una nueva mirada sobre el Altar de Pérgamo. ¿Qué significa para vos reimaginar un ícono imperial justo cuando está ausente de la vista pública?
Su ausencia fue el momento perfecto para abordar ese peso pesado de la historia cultural alemana. Reproducirlo mientras el original sigue disponible no habría tenido el mismo impacto. El Altar de Pérgamo ha sido elevado física y simbólicamente como una obra maestra de la civilización occidental, pero también es un fragmento: extraído, reencuadrado, reapropiado políticamente. Su actual invisibilidad me parece el reflejo de una crisis más amplia en nuestras instituciones culturales: ¿De dónde viene todo eso? ¿Qué relatos se están preservando y quién tiene derecho a contarlos?
Deconstruir este patrimonio material y mítico me permitió pensar qué pasa cuando algo monumental e inamovible de repente se manifiesta en otro lado. La reanimación digital de la Gigantomaquia fue una manera de reescenificar dinámicas de poder no como narrativas fijas, sino como escenas mutables, abiertas a nuevas lecturas. El cierre físico del altar le dio oxígeno conceptual a la obra.
¿Qué rol juega la ironía en tu trabajo?
La ironía permite que la complejidad siga visible. Cuando uno trabaja con símbolos de autoridad, siempre existe el riesgo de terminar reproduciendo lo mismo que pretende criticar. Para mí, la ironía es una herramienta de desestabilización: abre dobles sentidos y crea espacio para la contradicción. No me interesa transmitir un mensaje único y didáctico; quiero que la gente mire dos veces, que se sienta incómoda o incluso divertida, y que después se pregunte qué le dice esa sensación sobre su vínculo con el poder.
En esta exposición también presentás una obra que mezcla imaginería cristiana con equipamiento policial. ¿Qué buscás decir sobre la relación entre religión, Estado y control?
Más allá de las referencias cristianas, las obras también evocan mandalas o tótems. Fusionar símbolos religiosos con equipamiento táctico no es casual. Ambos sistemas usan imágenes, rituales y arquitectura para afirmar autoridad. Cuando le sacás la narrativa emocional, lo que queda es un régimen visual: uno que organiza cuerpos, define moralidades y controla espacios.
Al reconfigurar estos elementos en formas simétricas, como mandalas, quise explorar cómo incluso la violencia puede ser estetizada, sacralizada o camuflada bajo la apariencia del orden. No son solo herramientas de protección o fe: también son instrumentos de represión. ¿Qué pasa cuando esa estética se hace explícita?
Estamos viviendo un resurgimiento de narrativas nacionalistas. ¿Qué desafíos enfrentás como artista al abordar directamente estas construcciones simbólicas?
Uno de los desafíos es moverse entre la crítica y la cooptación. Trabajar con patrimonio cultural o arquitectura institucional implica caminar por un campo minado de símbolos cargados emocionalmente, sobre los que la gente proyecta defensas o nostalgias.
Pero creo que el desafío mayor es el contexto institucional en sí. Cuando trabajás dentro de sistemas que también están atravesados por legados nacionalistas o coloniales —museos, universidades, encargos públicos—, siempre aparece la pregunta sobre la complicidad: ¿Cómo deconstruir desde adentro? ¿Cómo generar inestabilidad sin ser inmediatamente reabsorbida? El arte no es inmune al poder; circula dentro de él. El objetivo no es la pureza, sino la fricción. Yo intento crear espacios donde esa fricción se vuelva visible.
Portrait:
Zuzanna Czebatul © Stini Roehrs
IMAGES:
Zuzanna Czebatul, All the Charm of a Rotting
Gum, 2025 © Courtesy the artist and DITTRICH &
SCHLECHTRIEM, Berlin
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