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The non-binary artist Anouk Lamm Anouk continues to break barriers with their latest exhibition From Humans, Horses and Hounds, curated by Gemma Rolls Bentley, at the prestigious gallery Patricia Low Contemporary. The exhibition, which will be on view until November 24, 2024, delves into the complex connections between queer identity, nature, and animals, inviting viewers to reflect on the relationships between humans and the natural world.
With their manifesto No Age, No Gender, No Origin, Anouk questions the labels that limit and separate us. In this exhibition, they explore the affinity between lesbians and animals, investigating how shared marginalization creates bonds of empathy and solidarity. Inspired by historical figures such as the painter Rosa Bonheur, who lived openly with her female partner, Anouk uses their work to bring visibility to queer history through a visual poetry that combines bodies and nature.
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Anouk's visual approach is characterized by an earthy color palette and unprepared canvases that integrate into the works as a living part of the composition. Their gestural style, sometimes abstract and other times figurative, creates spaces for contemplation, where viewers are invited to disconnect from the everyday noise and inhabit the present.
The series of works presented reflects the urgent need for queer visibility in a world still plagued by discrimination. With a mix of abstract symbols and non-conforming bodies, Anouk weaves a cosmos where gender categories and rigid identities are challenged.
From Humans, Horses and Hounds reaffirms their place in the contemporary art scene, creating a visual experience that explores the intersection of gender, nature, and community. We spoke a little with them about this.
Your exhibition From Humans, Horses and Hounds explores the connections between queer people and animals. What new perspectives on this bond do you hope viewers will gain by visiting your exhibition?
I started my research from a non-male perspective as I think most people are unaware of the historical connection between lesbianism and animal liberation. In any case, I came to this conclusion as part of my research for the exhibition. That might be because history is white and cis-male which makes researching for anything that is not white cis-male quite an exercise and I see how much re-writing of history still has to be done to bring more equality and justice to our past, to our trailblazers. Nor is it present in our daily consciousness that we live in a speciesistic belief system, a world in which we do not meet other species on an equal footing. On the contrary, we exploit them and even small children are already standing at the sausage counter laughing and asking for the 'funny face sausage' (a sausage pressed into the shape of a laughing teddy bear). The same fate of oppression and exploitation is also that of marginalized groups. If visitors to the exhibition leave with the idea of equality, connection and meeting on eye level, question the beliefs and approaches that are exemplified as normal, even fundamental in our society more, then my exhibition has made a difference.
Your works often include a dialogue between the abstract and the figurative. How do you decide which direction to take with each piece, and what impact do you believe this has on the viewer's perception?
In general, it is important to me that my oeuvre is complex and diverse. This means that the range of artworks is broad, spanning from very small works to space-filling installations. It also means that I work across various media—painting, text, sculpture, installation—always with a concept and a connection to space. Figuration and abstraction are equally important to me. Series in which I can combine both, like the Lesbian Jazz series, were a particular challenge, especially at the beginning.In Lesbian Jazz, there are works that allow more space for classical abstraction—which in this series represents the translation of jazz into abstract painting—and works that create space for an open, sometimes zoomed-in physicality paired with spatial, painterly emptiness. Both directions can carry something very concrete or very abstract. The Lesbian Jazz works are created on canvas. The process usually begins with physicality, and step by step I feel the dynamics and direction that the piece should take. This makes the process exciting and sometimes surprising for me too. Viewer perception is incredibly diverse; sometimes, someone looking at what seems like a precise scene might find it completely unclear what they are seeing. Instead of intertwined bodies, they see pure abstraction. Other times, it’s the opposite—a very restrained painting with a lot of abstraction might come across as krass to some viewers.
You have mentioned the importance of creating safe spaces for both animals and marginalized groups. How do you approach the creation of these temporary refuges through your artistic installations?
The installation Humans welcome N°1 is a new body of work started in 2024. The installation contains three life-like dog sculptures – one Yorkshire Terrier, two Poodles – and several old Persian rugs, covering the floor in an overlapping presentation. After humans seal more and more earth and create spaces in which other species and minorities are not welcome, the installation Humans welcome N°1 shows an upside-down reality in which dogs have fought back space and welcome people. This reversal is intended to show the absurdity of human actions and the megalomania of the human species, which sees itself as the crown of creation. Humans welcome N°1 is a plea for antispeciesist coexistence. The installation makes a white cube more homey and welcoming for everyone. It invites us to sit down, be present in the moment, relax, calm down and be together. The only thing that counts, becoming temporary part of the installation, is the presence of each and everyone in the here and now. I hope this is a liberating experience.
Besides Rosa Bonheur, are there other artists or historical figures that have influenced your work, and how?
It is more about the pathfinders, our ancestors are the fundament of our present. We should not forget that. So I am proud that I can dedicate one of my bodies of work to Rosa Bonheur, a great French animal painter, born 1822, gifted in the arts, who lived openly with her female partner. She will remain a role-model. Sadly there were not many when I was a child. Now I hope that I can be a role-model for a younger generation, because visibility is such a strong key to self-worth and belonging. We all belong here as we are our authentic selves, and everyone who is not willing to see and accept our authentic selves is not worthy of our time and energy. I met a precious being in Venice back in September who told me: 'Always remember; you are the price!’ I love that. Another great figure is Alice Morgan Wright, an American sculptor, suffragist, writer, animal welfare activist, and one of the first American artists to embrace Cubism and Futurism. Or Audre Lordes perspective on non-human lives and their worth and importance.
Your work has been described as a space for reflection and calm, where you invite the viewer to disconnect from digital and social noise. What significance does this pause hold for you in a world that seems to demand constant attention?
Thank you for all these beautiful and reflective questions, I have to say that. Rest is so essential for me. Without calm/peace there is no space. Without space there is no knowledge. If I stand in front of a mirror in a room that is far too small, I won't be able to see myself properly. Because of this; Peace becomes space, becomes an opportunity for reflection. Without rest there is no self and therefore no self-knowledge. Noise is outside, noise is distraction. Distraction can be good, but not as the main state and certainly not as a permanent state. I believe rest is our greatest gift. Because it allows us to pause, which creates so much space, opens up spaces that we could never enter in the noise. For me, peace is: inspiration, contentment, happiness and definitely essential.
In your creative process, how do you balance personal expression with the need to address social and political issues in your art?
Personal expression is first and foremost my artistic signature/handwriting and the topics I am working on and working with, so the process of combining the personal with the political started as soon as I was born as the lesbian I am.
La artista no binaria Anouk Lamm Anouk avanza rompiendo convenciones con su última muestra From Humans, Horses and Hounds, curada por Gemma Rolls Bentley en la prestigiosa galería Patricia Low Contemporary. La muestra, que puede visitarse hasta el 24 de noviembre de 2024, explora las conexiones entre la identidad queer, la naturaleza y los animales, invitando a los espectadores a reflexionar sobre los vínculos entre humanos y el mundo natural.
Con su manifiesto No Age, No Gender, No Origin, Anouk cuestiona las etiquetas que limitan y separan. En esta exhibición, profundiza en la afinidad entre lesbianas y animales, investigando cómo la marginalización compartida genera empatía y solidaridad. Inspirándose en figuras históricas como la pintora Rosa Bonheur, quien vivió abiertamente con su pareja femenina, Anouk usa su obra para visibilizar la historia queer a través de una poesía visual que fusiona cuerpos y naturaleza.
El enfoque visual de Anouk se caracteriza por una paleta de colores terrosos y lienzos sin preparar, que se integran como una parte viva de la composición. Su estilo gestual, a veces abstracto y otras figurativo, crea espacios de contemplación en los que el espectador es invitado a desconectar del ruido cotidiano y habitar el presente.
La serie de obras refleja la urgente necesidad de visibilidad queer en un mundo que aún enfrenta discriminación. Con una mezcla de símbolos abstractos y cuerpos no conformes, Anouk construye un cosmos donde se desafían las categorías de género y las identidades rígidas.
From Humans, Horses and Hounds reafirma su lugar en la escena artística contemporánea, creando una experiencia visual que explora la intersección de género, naturaleza y comunidad. Charlamos con ella acerca de esto.
Tu exposición explora la relación entre personas queer y animales. ¿Qué perspectivas nuevas esperás que los espectadores obtengan de esta conexión?
Comencé investigando desde una perspectiva no masculina, ya que creo que pocos conocen la conexión histórica entre lesbianismo y liberación animal. Parte de mi conclusión vino de esta investigación; aún hay mucho por reescribir para hacer justicia a nuestros precursores. Tampoco está en nuestra conciencia diaria el hecho de vivir en un sistema especista, en el cual no nos relacionamos con otras especies en igualdad de condiciones. Al contrario, las explotamos. Si los visitantes se van con una idea de igualdad y conexión, cuestionando creencias que se presentan como normales o fundamentales en nuestra sociedad, entonces mi exposición ha marcado una diferencia.
Tus obras suelen incluir un diálogo entre lo abstracto y lo figurativo. ¿Cómo decidís la dirección de cada pieza y qué impacto creés que tiene en la percepción del espectador?
En general, es importante para mí que mi obra sea compleja y diversa. Esto significa que el rango de trabajos es amplio, abarcando desde piezas muy pequeñas hasta instalaciones que llenan el espacio. También implica que trabajo con distintos medios: pintura, texto, escultura, instalación, siempre partiendo de un concepto y en relación con el espacio. La figuración y la abstracción son igual de importantes para mí. Series en las que puedo combinar ambas, como la serie Lesbian Jazz, fueron un desafío particular, sobre todo al principio. En Lesbian Jazz hay obras que permiten mayor espacio para la abstracción clásica —que en esta serie representa la traducción del jazz en pintura abstracta— y otras que dan lugar a una fisicalidad abierta, a veces ampliada, combinada con un vacío espacial y pictórico. Ambas direcciones pueden contener algo muy concreto o algo muy abstracto. Las obras de Lesbian Jazz se crean sobre lienzo. El proceso usualmente comienza con la fisicalidad, y paso a paso siento las dinámicas y la dirección que la pieza debería tomar. Esto hace que el proceso sea emocionante y, a veces, incluso sorprendente para mí. La percepción del público es increíblemente diversa: a veces, alguien observa lo que parece ser una escena precisa, pero le resulta totalmente confuso entender qué está viendo. En lugar de cuerpos entrelazados, percibe pura abstracción. Otras veces sucede lo opuesto: una pintura muy contenida, con mucha abstracción, puede parecerles impactante a algunos espectadores.
Has mencionado la importancia de crear espacios seguros para animales y grupos marginados. ¿Cómo abordás esta creación de refugios temporales en tus instalaciones artísticas?
La instalación Humans welcome N°1 es una nueva serie de 2024, en la cual se incluyen tres esculturas de perros –un Yorkshire Terrier y dos Caniches– junto a alfombras persas antiguas, dispuestas en el suelo en una presentación superpuesta. En un mundo donde los humanos siguen sellando espacios, limitando la bienvenida a otras especies y minorías, esta instalación muestra una realidad invertida en la que los perros han ganado espacio y dan la bienvenida a las personas. Esta reversión muestra la absurdidad de nuestras acciones y el egocentrismo de nuestra especie. Humans welcome N°1 es un llamado a la convivencia antispecista. La instalación invita a relajarse, habitar el presente y unirse en ese espacio.
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Además de Rosa Bonheur, ¿hay otros artistas o figuras históricas que hayan influenciado tu obra?
Mis caminos están construidos sobre los de nuestros ancestros; ellos son la base de nuestro presente. Me enorgullece dedicarle esta serie a Bonheur, una pintora de animales francesa nacida en 1822, quien vivió abiertamente con su pareja. Ella sigue siendo un modelo a seguir. Es triste que, cuando era niña, no hubiese muchas figuras así. Ahora espero poder ser un modelo para las generaciones más jóvenes, ya que la visibilidad es clave para el sentido de pertenencia. Otra figura que admiro es Alice Morgan Wright, escultora y activista por el bienestar animal, o la perspectiva de Audre Lorde sobre la vida no humana.
Tu obra se describe como un espacio de reflexión y calma, que invita al espectador a desconectarse del ruido digital y social. ¿Qué importancia tiene esta pausa en un mundo que parece demandar atención constante?
Aprecio estas preguntas tan reflexivas. El descanso es esencial para mí. Sin calma, no hay espacio; sin espacio, no hay conocimiento. La paz genera espacio, y el espacio crea oportunidad para la reflexión. Sin descanso, no hay identidad, y sin identidad, no hay autoconocimiento. El ruido está afuera, es distracción. La distracción puede ser buena, pero no como estado permanente. Creo que la paz es nuestro mayor regalo, ya que nos permite pausar, abrirnos a espacios que no podríamos habitar en el ruido. Para mí, la paz es inspiración y felicidad.
En tu proceso creativo, ¿cómo equilibrás la expresión personal con la necesidad de abordar temas sociales y políticos en tu arte?
La expresión personal es mi firma artística y los temas que trabajo. El proceso de combinar lo personal con lo político comenzó en cuanto nací, siendo la lesbiana que soy.
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