In this conversation, the artist and designer Guadalupe Vilar reveals her unique approach to the world of sustainable fashion and art. Despite not identifying with conventional fashion, Guadalupe seeks to merge her artistic approach with sustainability.
Furthermore, her commitment to teaching has had a significant impact on her own creativity, and collaborations with gallery owners and designers have strengthened her artistic vision. Through these experiences, Guadalupe continues to explore and expand her artistic horizons on a journey that promises ongoing evolution.
Vilar is an artist and designer whose work challenges the conventions of fashion and art. Her commitment to creating unique garments and sculptures that transcend conventional utility is truly inspiring.
Her honesty in admitting that she is still in search of the perfect fusion between her artistic approach and sustainability demonstrates her dedication and determination to make a positive impact in the world of fashion.
En esta conversación con la artista y diseñadora Guadalupe Vilar revela su enfoque único en el mundo de la moda sostenible y el arte. A pesar de no sentirse identificada con la moda convencional, Guadalupe busca fusionar su enfoque artístico con la sostenibilidad.
También, su compromiso con la enseñanza ha tenido un impacto significativo en su propia creatividad, y su colaboración con galeristas y diseñadores ha fortalecido su visión artística. A través de estas experiencias, Guadalupe sigue explorando y expandiendo sus horizontes artísticos en un viaje que promete seguir evolucionando.
Vilar es una artista y diseñadora cuyo trabajo desafía las convenciones de la moda y el arte. Su compromiso con la creación de prendas únicas y esculturas que trascienden la utilidad convencional son verdaderamente inspiradores.
Su honestidad al admitir que todavía está en busca de la fusión perfecta entre su enfoque artístico y lo sustentable demuestra su dedicación y determinación por crear un impacto positivo en el mundo de la moda.
In the world of sustainable fashion, where innovation and environmental awareness are key, how do you manage to merge your artistic approach with the need to produce garments that are both sustainable and commercially viable?
I haven't achieved that yet. It remains my great quest and the reason I realized that my work has nothing to do with commercial values. I don't feel identified with fashion, as it represents a trend, a repetition, and an economic and sociopolitical reflection of the era we live in.
What I can say is that I am in the process of researching a material and textile series with which I feel ethically and ecologically identified in its entire composition, in order to generate a collection of garments that can be replicated while respecting my environmental principles as an artist.
To this day, I treat each garment as art pieces and sculptural compositions on the body or space, engaging in a dialogue with the client's anatomy or the architecture of the place where they will be exhibited, always avoiding repetition. Additionally, both garments and installations generally transcend any conventional typology.
En el mundo de la moda sostenible, donde la innovación y la conciencia ambiental son clave, ¿cómo logras fusionar tu enfoque artístico con la necesidad de producir prendas que sean a la vez sostenibles y comercialmente viables?
Todavía no lo logré. Esa sigue siendo mi gran búsqueda, y el motivo por el cual me di cuenta de que mi trabajo tiene que ver con una idea lejana al concepto comercial. Tampoco me siento identificada con la moda, ya que representa una tendencia, una repetición y un reflejo económico y sociopolítico de la época en la que vivimos.
Lo que sí podría decir es que estoy en proceso de investigación de una serie material y textil con la cual me sienta ética y ecológicamente identificada en su totalidad compositiva para poder generar una colección de prendas que sí puedan replicarse respetando mis principios ambientales como artista.
Hasta el día de hoy, trato a cada prenda como obras en sí mismas y piezas escultóricas sobre el cuerpo o el espacio, que dialogan con la anatomía del cliente o la arquitectura del lugar donde vayan a exhibirse, sin posibilidad de repetición alguna. Además, generalmente tanto las prendas como las instalaciones trascienden cualquier carácter de tipología convencional.
You've had the opportunity to showcase your work at internationally renowned events such as "London Craft Week." How do you think these platforms influence the global perception of your brand and the evolution of your style?
I don't consider myself to have a brand; I always speak of my work as artistic projections since I manage to pour my creative quest into different disciplines, but fundamentally it's art. I named my first series of works "Desvestida" because garments cease to fulfill a utilitarian role and transform into entities themselves. This resulted from my frustration with the creative limitations imposed by the functionality clothing pieces demanded.
I think any platform that allows you to share your work, particularly the craft one practices as an artist along with the viewer's perspective, is crucial for evolving one's self-conception. Many viewers spoke of my work as sculptures; I always characterized them as installations, but that perspective transformed and propelled me a lot to start envisioning my next projects.
The viewer's perspective is crucial when redirecting and advancing your work. In both London Craft Week and Greatorex Street, I was fortunate to meet scholars in the field. Having them visit was like attending a class at one of the best art universities; each visit brought forth immensely interesting perspectives and a wealth of information to share about other artists, with whom they could identify me. It enriched me a lot to hear from such wise people. Film directors, sound artists, painters, curators, and writers, among various disciplines, approached me. There is nothing more gratifying than exposing yourself through any medium and getting feedback. That exchange is undoubtedly the true evolution. Inevitably exposing yourself propels you exponentially. After the first exhibition, I did two more, and now I've set up part of my work in a gallery. One thing leads to another, and whenever there is an opportunity to exhibit, I take it without hesitation. If they had told me in Buenos Aires that all this would happen to me, I wouldn't have believed it.
Has tenido la oportunidad de exhibir tu trabajo en eventos de renombre internacional, como "London Craft Week". ¿Cómo crees que estas plataformas influyen en la percepción global de tu marca y en la evolución de tu estilo?
No considero tener una marca, siempre hablo de mi trabajo como proyecciones artísticas, ya que logro volcar mi búsqueda creativa en diferentes disciplinas, pero diría que fundamentalmente es arte. Así llamé a mi primera serie de obras "Desvestida" porque las prendas dejan de cumplir un rol utilitario y se transforman en una entidad en sí mismas. Esto fue resultado de mi frustración ante las limitaciones creativas que me generaba la funcionalidad de la indumentaria.
Pienso que cualquier plataforma que permite compartir tu trabajo y particularmente el oficio que uno ejerce como artista junto con la perspectiva del espectador, es fundamental para evolucionar la concepción que uno tiene sobre sí mismo. Muchos espectadores hablaron de mi obra como esculturas, yo siempre las caractericé como instalaciones, pero esa mirada me transformó e impulsó muchísimo para comenzar a idear mis próximos proyectos.
El punto de vista del espectador es crucial a la hora de redirigir y avanzar tu trabajo. Tanto en London Craft Week como en Greatorex Street tuve la suerte de conocer eruditos del campo. Recibirlos era como tener una clase en una de las mejores universidades de arte, cada visita tenía una visión inmensamente interesante para aportarme y mucha información para compartirme sobre otros artistas con los que podían identificarme. Me nutrió muchísimo escuchar a gente tan sabia. Se acercaron directores de cine, artistas sonoros, pintores, curadores y escritores, entre varias disciplinas. No hay nada más gratificante que exponerte a través de cualquier medio y obtener un feedback. Ese ida y vuelta es, sin duda, la verdadera evolución. Inevitablemente exponerse te propulsa exponencialmente. Después de la primera muestra, hice dos más y ahora monté parte de mi trabajo en una galería. Una cosa lleva a la otra y siempre que exista la oportunidad de exponer, yo la tomo sin dudarlo. Si en Buenos Aires me hubieran dicho que me iba a pasar todo esto, no lo hubiera podido creer.
Furthermore, her role as a mentor for students demonstrates her generosity and passion for helping others discover their own creative identity.
Successful collaborations with gallery owners and designers showcase her ability to connect with others in the artistic industry and her skill in creating works that appeal to a wide audience.
In a world where fashion and art often intertwine, Guadalupe Vilar is paving her own path and challenging norms in a truly inspiring way. Her work is evidence that creativity and sustainability can coexist, and her contribution to the world of art and fashion is invaluable.
Además, su papel como mentora y guía para estudiantes demuestra su generosidad y su pasión por ayudar a otros a descubrir su propia identidad creativa.
Las colaboraciones exitosas con galeristas y diseñadores muestran su capacidad para conectarse con otros en la industria artística y su habilidad para crear obras que atraen a una amplia audiencia.
En un mundo donde la moda y el arte a menudo se entrelazan, Guadalupe Vilar está marcando su propio camino y desafiando las normas de una manera que es verdaderamente inspiradora. Su trabajo es una prueba de que la creatividad y la sostenibilidad pueden coexistir, y su contribución al mundo del arte y la moda es invaluable.
Your commitment to teaching and guiding students in their search for creative identity is noteworthy. How does this facet of your career impact your own creative process and the direction you take in your work?
Opening that door changed my life completely. I started it because I didn't feel comfortable with the process of creating unique garments for clients, and I wanted to approach my professional life from another perspective. It is clear that through teaching, you learn abundantly about yourself and the inherent mechanisms that you adopted throughout your life to approach any circumstance.
I enjoyed it a lot and generated beautiful bonds with my students. Teaching and guiding others in their creative process gives me strength and inspiration. Being so immersed in your work overwhelms and blocks you. Observing and accompanying someone else's process illuminates me.
I had a teacher at the University of Architecture of Buenos Aires when I was studying Fashion Design, named Eugenia Limeses. She has been a significant influence for me, and continues to be so today. I incorporated specific methodologies that she taught me, and I also unconsciously adopted new creative mechanisms on my own.
When I started to become aware of these resources used for so many years, I wrote them down, and that's how I started giving art clinics. They were always focused on the composition of garments on the human body. Later, I came up with the idea that this compositional methodology could be applied to any of the arts. That's why I plan to keep developing it and eventually share it online.
Tu compromiso con la enseñanza y la orientación de estudiantes en la búsqueda de su identidad creativa es notable. ¿Cómo impacta esta faceta de tu carrera en tu propio proceso creativo y en la dirección que tomas en tu trabajo?
Haber abierto esa puerta cambió mi vida 360 grados. Lo empecé porque no me sentía cómoda con el proceso de construcción de prendas únicas para clientes y quería encarar mi vida laboral desde otra perspectiva. Me devolvió el alma al cuerpo. Está clarísimo que enseñando se aprende abundantemente sobre uno mismo y sobre los mecanismos inherentes que uno adoptó a lo largo de su vida para abordar cualquier circunstancia.
Lo disfruté muchísimo y generé hermosos vínculos con mis alumnas. Enseñar y guiar a otros en su proceso creativo me da fuerza e inspira. Estar tan ensimismado en tu obra te abruma y bloquea compositivamente. Observar y acompañar el proceso ajeno me ilumina.
Yo tuve una profesora en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires cuando estudiaba Diseño de Indumentaria, llamada Eugenia Limeses. Ella para mí siempre fue un referente súper importante y lo sigue siendo el día de hoy. Incorporé metodologías específicas que ella me enseñó y yo también fui adoptando mecanismos creativos inconscientemente.
Cuando empecé a tomar conciencia de estos recursos utilizados durante tantos años, los escribí y así comencé a dar las clínicas. Siempre estuvieron enfocadas en la composición de prendas sobre el cuerpo humano. Luego, di con la idea de que esta metodología compositiva se podría aplicar a cualquiera de las artes. Es por este motivo que pienso seguir desarrollándola y eventualmente compartirla online.
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You mentioned successful collaborations with gallery owners and designers. How did you choose your collaborators, and what do you think they bring to your artistic vision that is unique in the world of fashion and art?
Honestly, everything happened spontaneously. I sowed a seed, and numerous opportunities unfolded before me.. The key is always to create, execute, and persevere. Trying and experimenting is the true advancement of the work. Exposing it as well. I think the last two collaborations I did, both with Greatorex Street and Afridi Gallery, were impressive.
Never in my life had I felt so supported and artistically propelled. London is a city that truly values artistic expression and distinction.
The first collaboration was with "Greatorex Street." The space is a wonderful community of artists led by a great artist named Suki Jobson. When she came to see my work at the embassy, we connected with each other immediately. In her "Greatorex Street" space, she hosts a series called "Tellus Triannual," where she selects three artists to exhibit at different times throughout the year. A month after our first meeting, I was installing my work as the third artist invited for "Tellus" in the Whitechapel neighborhood. I did a 9-day residency, followed by the exhibition. It was one of the most amazing experiences of my life.
Thanks to the second exhibition I did at the Embassy of Argentina for Gabriel Chaile’s presentation in London, represented by "Studio Voltaire," I was able to meet the most important people in the city's art scene. There I met Shahbaz Afridi, owner of Afridi Gallery, a small yet powerful gallery in Chelsea. Shahbaz has been my patron and guide so far. Afridi Gallery is known for housing ancient relics from the Islamic and Ottoman worlds, along with furniture and ceramics from Scandinavia and the Far East. I am fortunate to be the first contemporary artist they have included in their collection. It is an immense honor to work with them. I am constantly learning and plan to continue growing alongside them. The opportunity to exhibit my works alongside relics from the 4th century was truly impressive.
Has mencionado colaboraciones exitosas con galeristas y diseñadores. ¿Cómo elegiste a tus colaboradores y qué crees que aportan a tu visión artística que es única en el mundo de la moda y el arte?
Sinceramente, todo se fue dando espontáneamente. Planté una semilla y se me fueron presentando diversas oportunidades. La clave siempre está en hacer, ejecutar y no parar. Probar y experimentar es el verdadero avance de la obra. Exponerla también. Creo que las últimas dos colaboraciones que hice, tanto con Greatorex Street como con Afridi Gallery, fueron impresionantes.
Nunca en mi vida me había sentido tan sostenida e impulsada artísticamente. Londres es una ciudad donde verdaderamente valoran la expresión artística y su diferenciación.
La primera colaboración fue con "Greatorex Street". El espacio es una comunidad de artistas maravillosa liderada por una gran artista llamada Suki Jobson. Cuando ella vino a ver mi obra en la embajada, nos sentimos identificadas la una con la otra instantáneamente. En su espacio "Greatorex Street", ella realiza una serie que denomina “Tellus Triannual” en donde selecciona tres artistas para que expongan en distintas instancias a lo largo del año. Al mes siguiente de nuestra primera reunión, estaba instalando mi trabajo como la tercera artista convocada para "Tellus" en el barrio de Whitechapel. Hice una residencia de 9 días, seguida de la exposición. Fue una de las experiencias más alucinantes de mi vida.
Gracias a la segunda muestra que hice en la embajada de Argentina para la presentación del artista Gabriel Chaile en Londres, representado por "Studio Voltaire", pude conocer a la gente más importante de la escena del arte de la ciudad. Allí conocí a Shahbaz Afridi, dueño de Afridi Gallery, una pequeña pero muy potente galería en el barrio de Chelsea. Shahbaz hasta el momento ha sido mi mecenas y guía. Afridi Gallery se caracteriza por albergar reliquias antiguas del mundo islámico y otomano con muebles y cerámica de Escandinavia y el Lejano Oriente. Tengo la suerte de ser la primera artista contemporánea que incorporan a su colección. Es un honor inmenso trabajar con ellos. Aprendo constantemente y pienso seguir creciendo a su lado. La oportunidad de exponer mis obras al lado de reliquias del siglo IV es verdaderamente impresionante.
