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Among oil-covered brushes and vintage zebra-print chairs, Anna Zimmermann transforms her studio into a kind of creative sanctuary. Here, she explores the boundaries of feminine expression and the human form without concern for perfection. Her work, figurative and raw, feels more like an intimate conversation than an artistic declaration. With each brushstroke, she aims to capture a moment, an emotion, a movement, as though her characters could breathe and come alive beyond the canvas.
Anna’s art is an intriguing blend of figurative expressionism and texture, capturing the complexity of human emotion unfiltered. This same freedom allows her to move seamlessly from painting to sculpture to design, leading her to collaborate on projects with fashion designer Malaika Raiss and create collections that fuse art and fashion.
Her recent exhibition, NIRVANA, inspired by the iconic Nevermind album, explores the tension between peace and intensity through her signature layered and textural style. As an ode to grunge culture and introspection, each piece invites viewers to pause and dive into a moment where rawness and the sublime coexist in perfect dissonance.
Anna Zimmermann has emerged as a powerful force on Berlin's art scene, not only for her talent but also for her honesty. Unafraid to question social expectations, she presents femininity as a vast, sometimes contradictory spectrum, but always powerful. With each new exhibition, Anna reminds us that art is a living experience, a space where artist and viewer meet and where each work opens doors to unexpected, profound worlds. We sat down with her to delve deeper into her universe.
Your work blends spontaneity and introspection. How do you decide when a painting or piece is truly finished?
It usually happens very naturally. It’s an inner instinct—there’s a certain calmness that settles between the work and me, signaling its completion.
In your portraits, the gestures and expressions seem to capture moments of vulnerability. What do you seek to convey through body language in your work?
My primary, albeit complex, goal is to reflect and rework my relationship with myself and the world. Growing up as a woman in the 2000s, I faced a lot of external opinions about women and their bodies. Through my work, I strive to free the female body from judgment, creating a space of confidence and self-acceptance—a world where being at peace with yourself feels possible.
How does the cultural dynamic of Berlin influence your creations and the way you view art?
My parents are quintessential West Berliners, like characters straight out of a Sven Regener novel—free-spirited, driven by creativity and social connection rather than corporate ambitions. This Berlin essence is deeply ingrained in me. I love the anonymity and the feeling of endless possibilities that big cities, especially Berlin, exude.
What inspired you to choose Nirvana's `Nevermind´ album as the central element of your latest exhibition? What connection do you feel with the grunge and meditative energy of the album?
When I first heard Nirvana as a teenager, it felt transcendent. I immediately knew it was something special, and like any young teen, I strongly identified with the music. I’m fascinated by contrasts—calm versus chaos, restlessness versus peace. This mirrors my creative process, which often feels scattered and diverse, much like the patchwork ethos of grunge. Creating a cohesive exhibition around Nevermind allowed me to channel this energy, blending materials, techniques, and themes to tell a unified story. Another layer of meaning comes from my older sister, who profoundly influenced my creative world. She discovered Nirvana while living in the Dominican Republic as a kid and exchanged cassette tapes with a friend in Berlin. Her recordings, complete with her joyful, childlike voice describing the cover and the songs, became part of my exhibition—a beautiful time capsule from the ’90s.
How has your collaboration with Malaika Raiss enriched your perspective on art, especially in the integration of fashion and design into your work?
I originally studied fashion design and worked as a designer, so fashion has always inspired me creatively. Malaika is an immense source of inspiration. Since 2019, we’ve shared a wonderful creative exchange, enriching each other’s work. Our collaboration is both unified and independent, reflecting our relationship—deeply supportive yet distinct in our individual approaches.
Your multidisciplinary approach explores both the personal and the collective. How do you think the exploration of social themes in art can impact the perception of viewers?
It can be both an invitation and a barrier. Collective themes make art accessible, allowing viewers—myself included, as with Nevermind—to find personal connections. Yet, it can also alienate others. For instance, I’ve noticed a strong connection with female viewers, who often become collectors of my work, while some men seem hesitant or uncertain about their engagement, often layering it with unintended sexual connotations. My goal is to create a perspective where the female body is viewed without guilt or judgment—celebrated with equality and appreciation.
In your opinion, how do you see the relationship between art and technology? Where do you draw the line between both so that technology doesn’t overshadow the tactile nature of your work?
I’d like to intertwine technology much more into my practice. With my multidisciplinary background, I’m eager to explore its possibilities, but I find myself consistently drawn back to the traditional methods of painting.
What other artists, whether contemporary or historical, influence or inspire you in your daily life?
My inspirations are always evolving. Music often inspires me deeply. Visual artists like Andy Warhol and Paula Modersohn-Becker have been long-standing influences, but my sources of inspiration shift constantly—a song I obsess over, a biography, or an exhibition can leave a profound mark. Recently, I’ve been captivated by Anne Imhof, especially after seeing her work at the Boros Collection. Her multidisciplinary Gesamtkunstwerk is stunning, and her brutal yet poetic language resonates with me. Hearing her speak on the podcast Are We On? made me admire her even more—her gentle, genuine demeanor contrasts beautifully with her powerful art.
What’s the last thing you saw—whether a movie, TV show, or exhibition—that really impacted you?
The podcast episode of Are We On? featuring Anne Imhof and Jonathan Anderson truly moved me. The music-focused format was a revelation, and their conversation offered such intimate insights into their personalities. It deeply inspired me, especially as their musical tastes aligned with mine, revealing another layer of connection.
If you had to describe your personal style in three words, what would they be?
I’d say "full of gesture" captures it best. My style constantly evolves, but the core—the expressive gesture—remains constant.
What’s the next project or idea that excites you the most?
Over the past few years, I’ve had so many creative outlets and projects happening simultaneously, and I’m really looking forward to carving out some dedicated time to simply create. There’s a new theme I’m currently exploring, which could potentially evolve into another exhibition—a process I’m truly excited about. In addition, in 2023, I co-founded a gallery format called A.Gallery with my friend Julie. Our first group show was an incredible experience, and we’re planning to work on the second edition at the beginning of next year. The thought of curating and collaborating again within this framework is definitely thrilling!
What’s the best piece of advice you’ve ever received, and who gave it to you?
The best advice came from my late father when I was in my early 20s. At the time, I was torn between two opportunities: a job offer from the fashion label where I had been a trainee, and a scholarship for an internship in London. I felt incredibly unsure about what to choose. While we were talking in the car, my dad said something that stayed with me: "Another layer you should calculate in your decision is love.” I had just met my now-husband, Cornelius, and his words felt so unexpected yet deeply thoughtful. It wasn’t the typical pragmatic approach you’d expect when making career decisions, but his advice to let love and personal happiness guide me in some way was profoundly romantic. Looking back, it was a decision that has brought me so much joy and fulfillment in life so far.
Entre pinceles cubiertos de óleo y sillas vintage de estampado de cebra, Anna Zimmermann convierte su estudio en una especie de santuario creativo. Ahí, explora los límites de la expresión femenina y del cuerpo humano, sin preocuparse por la perfección. Su obra, figurativa y cruda, se siente como una conversación íntima más que como una declaración artística. Con cada trazo, busca capturar un instante, una emoción, un movimiento, como si sus personajes respiraran y cobraran vida más allá del lienzo.
La obra de Anna es una mezcla intrigante de expresionismo figurativo y textura, capturando la complejidad de la emoción humana sin filtros. Esa misma libertad le permite saltar de la pintura a la escultura y al diseño, con una facilidad que la lleva a colaborar en proyectos con la diseñadora de moda Malaika Raiss o a crear colecciones que fusionan arte y moda.
Su reciente exposición, NIRVANA, inspirada por el icónico álbum Nevermind, explora la contradicción entre la paz y la intensidad con su estilo característico de texturas y capas. Como una oda a la cultura grunge y a la introspección, cada pieza invita a los espectadores a detenerse y sumergirse en un momento donde lo crudo y lo sublime coexisten en perfecta disonancia.
Anna Zimmermann se ha convertido en una fuerza emergente en la escena berlinesa, no solo por su talento sino por su honestidad. Sin miedo a cuestionar las expectativas sociales, nos muestra la feminidad como un espectro amplio y a veces contradictorio, pero siempre poderoso. Con cada nueva exposición, Anna nos recuerda que el arte es una experiencia viva, un espacio de encuentro entre artista y espectador donde cada obra abre puertas a mundos inesperados y profundos. Charlamos con ella para ahondar más en su universo.
Tu trabajo combina espontaneidad e introspección. ¿Cómo decides cuando una pintura o una pieza está realmente terminada?
Sucede de manera muy natural. Es un instinto interno: una calma particular se instala entre la obra y yo, señalando que está completa.En tus retratos, los gestos y expresiones parecen capturar momentos de vulnerabilidad.
¿Qué buscas transmitir a través del lenguaje corporal en tu obra?
Mi objetivo principal, aunque complejo, es reflexionar y replantear mi relación conmigo misma y con el mundo. Al crecer como mujer en los 2000, enfrenté muchas opiniones externas sobre las mujeres y sus cuerpos. A través de mi trabajo, busco liberar al cuerpo femenino del juicio, creando un espacio de confianza y autoaceptación, un mundo donde estar en paz con uno mismo sea posible.
¿Cómo influye la dinámica cultural de Berlín en tus creaciones y en tu visión del arte?
Mis padres son el ejemplo perfecto de los berlineses del oeste, como personajes sacados de una novela de Sven Regener: libres, creativos y más interesados en las conexiones sociales que en las ambiciones corporativas. Esa esencia de Berlín está profundamente arraigada en mí. Me encanta la sensación de anonimato y las posibilidades infinitas que transmiten las grandes ciudades, especialmente Berlín.
¿Qué te inspiró a elegir el álbum Nevermind de Nirvana como el elemento central de tu última exposición? ¿Qué conexión sientes con la energía grunge y meditativa del álbum?
Cuando escuché Nirvana por primera vez en mi adolescencia, fue una experiencia trascendental. Supe de inmediato que era algo especial y, como cualquier adolescente, me sentí profundamente identificada con la música. Me fascinan los contrastes: calma versus caos, inquietud versus paz. Eso refleja mi proceso creativo, que suele sentirse disperso y diverso, como el ethos de collage del grunge. Crear una exposición cohesiva en torno a Nevermind me permitió canalizar esa energía, combinando materiales, técnicas y temas para contar una historia unificada. Otro nivel de significado proviene de mi hermana mayor, quien tuvo una profunda influencia en mi mundo creativo. Descubrió Nirvana viviendo en República Dominicana cuando era niña y solía intercambiar cassettes con una amiga en Berlín. Sus grabaciones, que incluían su voz infantil describiendo alegremente la portada y las canciones, formaron parte de mi exposición: una hermosa cápsula del tiempo de los años 90.
¿Cómo ha enriquecido tu colaboración con Malaika Raiss tu perspectiva sobre el arte, especialmente en la integración de la moda y el diseño en tu obra?
Estudié diseño de moda y trabajé como diseñadora, así que la moda siempre ha sido una fuente de inspiración creativa para mí. Malaika es una inspiración inmensa. Desde 2019, compartimos un maravilloso intercambio creativo que enriquece nuestro trabajo. Nuestra colaboración es tanto unificada como independiente, reflejando nuestra relación: profundamente solidaria, pero distinta en nuestros enfoques individuales.
Tu enfoque multidisciplinario explora tanto lo personal como lo colectivo. ¿Cómo crees que la exploración de temas sociales en el arte puede impactar la percepción de quienes lo ven?
Puede ser tanto una invitación como una barrera. Los temas colectivos hacen que el arte sea accesible, permitiendo que los espectadores, incluido yo misma con Nevermind, encuentren conexiones personales. Pero también puede alienar a algunos. Por ejemplo, he notado una fuerte conexión con las mujeres que ven mi obra y que a menudo se convierten en coleccionistas, mientras que algunos hombres parecen más inseguros o dudan en interactuar, añadiendo con frecuencia connotaciones sexuales no intencionadas. Mi objetivo es crear una perspectiva en la que el cuerpo femenino sea visto sin culpa ni juicio, celebrado con igualdad y aprecio.
¿Cómo ves la relación entre el arte y la tecnología? ¿Dónde trazas la línea para que la tecnología no opaque la naturaleza táctil de tu trabajo?
Me gustaría entrelazar la tecnología mucho más en mi práctica. Con mi formación multidisciplinaria, estoy entusiasmada por explorar sus posibilidades, pero me encuentro volviendo una y otra vez a los métodos tradicionales de pintura.
¿Qué otros artistas, ya sean contemporáneos o históricos, te inspiran en tu vida diaria?
Mis inspiraciones están en constante evolución. La música suele inspirarme profundamente. Artistas visuales como Andy Warhol y Paula Modersohn-Becker han sido influencias constantes, pero mis fuentes cambian: una canción que me obsesiona, una biografía o una exposición pueden dejar una marca profunda. Últimamente, he estado cautivada por Anne Imhof, especialmente tras ver su obra en Boros Collection. Su Gesamtkunstwerk multidisciplinario es impresionante, y su lenguaje, brutal pero poético, resuena en mí. Escucharla en el podcast Are We On? hizo que la admirara aún más: su carácter amable y genuino contrasta bellamente con su poderosa obra.
¿Cuál es la última cosa que viste—ya sea una película, serie o exposición—que realmente te impactó?
El episodio del podcast Are We On? con Anne Imhof y Jonathan Anderson me conmovió profundamente. El formato centrado en la música fue revelador, y su conversación ofreció una visión tan íntima de sus personalidades. Me inspiró mucho, especialmente porque sus gustos musicales coincidían con los míos, revelando otro nivel de conexión.
Si tuvieras que describir tu estilo personal en tres palabras, ¿cuáles serían?
Diría que "lleno de gestos" lo define mejor. Mi estilo evoluciona constantemente, pero lo esencial—el gesto expresivo—permanece constante.
¿Cuál es el próximo proyecto o idea que más te entusiasma?
En los últimos años, he tenido tantos proyectos creativos y frentes abiertos que estoy emocionada por reservar un tiempo dedicado únicamente a crear. Hay un nuevo tema que estoy explorando actualmente, y podría evolucionar en otra exposición—un proceso que realmente me entusiasma. Además, en 2023 cofundé un formato de galería llamado A.Gallery con mi amiga Julie. Nuestra primera muestra grupal fue una experiencia increíble, y estamos planeando trabajar en la segunda edición a principios del próximo año. La idea de volver a curar y colaborar en este marco definitivamente me emociona mucho.
¿Cuál es el mejor consejo que has recibido y quién te lo dio?
El mejor consejo me lo dio mi padre antes de fallecer, cuando tenía poco más de 20 años. En ese momento, estaba dividida entre dos oportunidades: un trabajo en la marca de moda donde había sido pasante y una beca para hacer una práctica en Londres. Me sentía increíblemente insegura sobre qué elegir. Mientras hablábamos en el auto, mi papá dijo algo que se quedó conmigo: "Otra capa que deberías incluir en tu decisión es el amor". Acababa de conocer a mi ahora esposo, Cornelius, y sus palabras fueron inesperadas pero profundamente reflexivas. No era el enfoque pragmático típico que esperas al tomar decisiones de carrera, pero su consejo de dejar que el amor y la felicidad personal guiaran mi elección fue profundamente romántico. Mirando hacia atrás, fue una decisión que me ha traído tanta alegría y plenitud en la vida hasta ahora.
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