The twenty-second edition of Zona Maco has just concluded in Mexico City. Considered one of the most important contemporary art fairs in Latin America, the event consolidated the capital as a key meeting point, bringing together more than 200 galleries from different parts of the world at Centro Citibanamex.
A highlight? Modou Dieng Yacine for Galeria 193, which presented works by artists from the Global South. Born in Senegal, his pieces are generally characterized by collages of domestic objects, layered images or photographs and, finally, painting. True post pop up works. The paintings brought to Zona Maco were defined by their portraits of white faceless figures. Modou explained to me that this very particular choice represents the anonymity of people. To be nobody and everybody at the same time.
They are not racially or ethnically defined. They are a community of invisible people who change the world. Just like migrants who move across borders and make the world a better culture and community.” He currently lives in Chicago and is co-founder of Blackpuffin, a consulting and curatorial company focused on African and diaspora artists. “With Blackpuffin I have the opportunity to share my experiences as an African. It is a way of creating a forum for collaborations, voices, different forms of exhibition and exchanges that are important and necessary for the development of our practices and experiences.”
Alongside Zona Maco, there was also Salón Acme, which does not function exactly as a fair in the classical sense, but rather as a curatorial laboratory that has become one of the most influential spaces for emerging and mid-career artists. Salón Acme operates as a platform for visibility and validation, a place where artists, curators and cultural managers intersect in an environment less conditioned by the market and more attentive to critical dialogue.
This year, 82 selected artists were presented, with 224 participants in total, distributed across six sections. In addition, it included 26 invited projects and the participation of 22 specialized galleries, consolidating its position as a platform for emerging talent. I had the pleasure of meeting artist Candela Bado, presented by Mimo, a very interesting experimental gallery based in New York, created just two years ago by two artists, Venezuelan Carlos Nuñez and Guatemalan Luis Corzo.
Candela was selected with the work “Circulación Constelación,” a material confrontation between domestic architecture and public architecture. Using fused glass marbles, the artist presented industrial tile pieces as a base and other elements implanted through firing: coins, copper mesh and marbles. What stands out in her work is its delicate yet powerful ability to delineate a frame between the public and the domestic. “I am interested in exploring how the commodification of these natural elements allows for the construction of capitalist control systems that are either still in force or obsolete. Through my work I seek to preserve the possibility of exploring our intrinsic relationship with matter, the forms created by humans to which they have adapted or resisted. I am also interested in thinking about specific architectural languages, what their role is and what their compositions mean.”
Finally, there was Material, which focuses on promoting the work of emerging artists. The fair celebrated its 12th edition and brought together 78 exhibitors from 21 countries and 38 cities. It is recognized for its experimental approach and for gathering emerging galleries from Mexico and around the world.
Elián Stolarsky, from El Chico de Madrid, was one of the standout artists. Originally from Uruguay, Elián presented her work in Mexico for the first time, reflecting her connection to her Polish heritage, combining two techniques — printmaking and textile — and drawing from archival photographs related to the Spanish Civil War.
Another lovely encounter was with La Oficina gallery from Madrid and its Portuguese artist Barbara Fonte. Originally from a small and very Catholic town in northern Portugal, she developed her photography and videos drawing strong inspiration from Francesca Woodman and from the need for a religious revolution. Her entire production is self-taught; she works alone at home and in her garden. Irony, as a channel of transmission and critique of the rigid morals of her country, leads her to create black-and-white photographs and videos in which she herself is the protagonist.
In its first experience in Mexico, Galería Grasa from Buenos Aires brought artist Amparo Viau to notable success during the fair. With her large-scale work of intertwined bodies measuring two meters twenty by one forty, made with chalk and pure pigment sticks on natural cotton paper, Amparo aligns beautifully with the Mexican muralist tradition. In her pieces, where color is the protagonist, she adds to the canvas the micropolitics of bodies, female identity and romanticism.
Another important place to visit is undoubtedly Casa Wabi Sabino, a must-stop in Mexico City. Located in the Atlampa neighborhood, it operates as an artistic space aimed at fostering connections between contemporary art and local communities. One of the artists currently exhibiting and who strongly caught my attention is Maria Naidich with her exhibition “Cristalización Especular,” on view until April 19. Her project consists of four pieces presented in the form of movable solar panels. They are panels of fused glass made with different techniques and left exposed to air and the elements, allowing the material to interact and transform over time and through its own process, independently of the artist’s will.
These “contained processes,” as Maria calls them, are simply assemblages of natural materials left to the uncertainty of nature, creating a more poetic vision of it and pushing us toward less anthropocentric forms of perception. One piece, for example, consists of selected solar cells that oxidized over time upon contact with water. The resulting drawing is not accidental but rather a scan of the sky as it appeared above the house on the night of December 31, 2025. The contemplation of the drawn constellation Aquila and the star Altair, larger and brighter than the Sun, should generate an implicit desire to move away from a typically anthropocentric gaze in order to embrace a global vision of the world, where natural events regain their protagonism and importance, opening possibilities for other scales and a more speculative approach to matter, ultimately prompting us to question our own centrality in this world.
A special mention among the many exhibitions that took place in the city goes to Soft Power, the first experience in Mexico by Berlin-based curator Anahita Sadighi. Composed of a multidisciplinary group exhibition at Casa T’AAN, it explores material culture, memory and ecological regeneration.
Art Week was not only about painting or sculpture. This year, for the first time, Museo de Bellas Artes became the stage for a contemporary dance performance with 60 dancers: “Colosos” by Diego Vega Solloza. Inspired by the works of sculptor Geles Cabrera, the choreography was carried out in a process of just three weeks, including a prior week-long laboratory called “Cuerpos Arquitectos,” developed in different architectural spaces. “Colosos” emerged because, as he explained, “I began thinking about the body through what Geles Cabrera’s sculpture made me think — that there is something about the volumes of her pieces that generates great energy. ‘Colosos’ represents the body’s capacity to expand, to grow and to fill a space.”
Concluyó la vigésima segunda edición de Zona Maco en Ciudad de México. Considerada como una de las más importantes ferias de arte contemporáneo de Latinoamérica, este evento consolidó a la capital como un punto de encuentro clave, reuniendo en el Centro Citibanamex a más de 200 galerías de diversas partes del mundo.
¿Un highlight? Modou Dieng Yacine para Galeria 193, que expuso obras de artistas que pertenecen al sur del mundo. Nacido en Senegal, sus piezas están caracterizadas por lo general por collages de artículos domésticos, imágenes o fotografías superpuestas y, por último, pintura. Verdaderas obras post pop up. Los cuadros traídos a Zona Maco se caracterizan por sus retratos de caras blancas sin rostro. Modou me explicó que esta elección tan particular representa el anonimato de las personas. “Ser nadie y ser todo el mundo al mismo tiempo.
No están definidos racial ni étnicamente. Son una comunidad de personas invisibles que cambian el mundo. Al igual que los migrantes que se desplazan y hacen del mundo una cultura y una comunidad mejores.” Vive actualmente en Chicago y es cofundador de Blackpuffin, una empresa de consultoría y curaduría centrada en artistas africanos y de la diáspora. “Con Blackpuffin tengo la oportunidad de compartir mis experiencias como africano. Es una forma de crear un foro de colaboraciones, voces, diversas formas de exposición e intercambios que son importantes y necesarios para el desarrollo de nuestras prácticas y experiencias.”
Además de Zona Maco, también estuvo Salón Acme, que no funcionó exactamente como una feria en el sentido clásico, sino más bien como un laboratorio curatorial que se ha convertido en uno de los espacios más influyentes para artistas emergentes y de media carrera. Salón Acme funciona como una plataforma de visibilidad y legitimación, un lugar donde se cruzan artistas, curadores y gestores culturales en un ambiente menos condicionado por el mercado y más atento al diálogo crítico.
Este año fueron presentados 82 artistas seleccionados y hubo 224 participantes en total, distribuidos en seis secciones. Además, contó con 26 proyectos invitados y la participación de 22 galerías especializadas, consolidándose como plataforma de talento emergente. Tuve el placer de conocer a la artista Candela Bado, presentada por Mimo, una galería experimental muy interesante con sede en New York, creada hace solo dos años por dos artistas, el venezolano Carlos Nuñez y el guatemalteco Luis Corzo.
Candela fue seleccionada con la obra “Circulación Constelación”, una confrontación material entre la arquitectura doméstica y la arquitectura pública. Utilizando canicas de vidrio que se han fusionado, la artista presentó piezas de azulejos industriales como base y otros elementos implantados mediante cocción: monedas, mallas de cobre y canicas. Lo que llama la atención de su trabajo es su capacidad delicada y, al mismo tiempo, tan fuerte para delinear un marco entre lo público y lo doméstico. “Me interesa explorar cómo la comodificación de estos elementos naturales permite construir sistemas de control capitalistas hoy vigentes u obsoletos. A través de mi obra busco preservar la posibilidad de explorar nuestra relación intrínseca con la materia, las formas creadas por los humanos a las cuales se han adaptado o resistido. También me interesa pensar sobre lenguajes específicos de la arquitectura, cuál es su rol y qué significan sus composiciones.”
Por último estuvo Material, que se focaliza en promover el trabajo de artistas emergentes. La feria celebró su 12° edición y reunió a 78 expositores provenientes de 21 países y 38 ciudades, reconocida por su enfoque experimental y por reunir galerías emergentes de México y el mundo.
Elián Stolarsky, de El Chico de Madrid, fue una de las artistas destacadas. Uruguaya de origen, Elián presentó por primera vez en México sus obras, que reflejan el lazo con su origen polaco, mezclando dos técnicas —el grabado y el textil— y basándose en la guerra civil española a partir de fotografías de archivo.
Otro lindo encuentro fue aquel con la galería La Oficina de Madrid y su artista portuguesa Barbara Fonte. Originaria de una pequeña y muy católica ciudad del norte de Portugal, desarrolló su fotografía y videos inspirándose mucho en Francesca Woodman y en la necesidad de una revolución religiosa. Toda su producción es autodidacta; trabaja sola en su casa y en su jardín. La ironía, como canal de transmisión y crítica hacia morales muy rígidas de su país, la lleva a crear fotos y videos en blanco y negro donde ella misma es la protagonista.
En su primera experiencia en México, Galería Grasa de Buenos Aires llevó a la artista Amparo Viau a un gran éxito durante la feria. Con su gigantografía de cuerpos entrelazados de dos metros veinte por uno cuarenta, realizada en tiza y barras de pigmento puro sobre papeles de algodón natural, Amparo se emparenta muy bien con la tradición del muralismo mexicano. Sus piezas, en las cuales el color es el protagonista, añaden al lienzo la micropolítica de los cuerpos, la identidad de la mujer y el romanticismo.
Otro lugar importante para visitar fue, sin duda, Casa Wabi Sabino. Parada obligatoria en la Ciudad de México. Localizada en el barrio Atlampa, actúa como un espacio artístico con la finalidad de fomentar las conexiones entre el arte contemporáneo y las comunidades locales. Una de las artistas que están exponiendo actualmente y que llamó mucho mi atención es Maria Naidich con su exhibición “Cristalización Especular”, en muestra hasta el 19 April. Su proyecto está constituido por cuatro piezas que se presentan bajo la forma de paneles solares movibles. Son paneles de vidrio fundido con técnicas diferentes y dejados al aire y al contacto con los elementos para permitir que la materia pueda interactuar e ir transformándose con el tiempo y en su propio proceso, independientemente de la voluntad de la artista.
Estos “procesos contenidos”, como los nombra Maria, son sencillamente ensamblajes de materias naturales dejados a la incertidumbre de la naturaleza, creando una visión más poética hacia ella y empujándonos hacia otras formas de percepción menos antropocéntricas. Una pieza, por ejemplo, son celdas solares seleccionadas que se fueron oxidando con el tiempo al contacto con el agua. El dibujo que se presenta no es casual, sino más bien un escaneo del cielo tal como estaba a la altura de la casa la noche del 31 de diciembre de 2025. La contemplación de la constelación dibujada del Águila y la estrella Altair, más grande y brillante que el Sol, tendría que generar una voluntad implícita de alejarse de una mirada antropocéntrica típica del hombre para albergar una visión global del mundo donde los eventos naturales retomen su protagonismo e importancia, abriendo las posibilidades a otras escalas para un acercamiento más especulativo hacia las materias y obligándonos a ponernos preguntas sobre nuestra centralidad en este mundo.
Una mención particular entre las varias exhibiciones que tomaron lugar en la ciudad la quisiera dar a Soft Power, primera experiencia in Mexico de la curadora berlinesa Anahita Sadighi. Compuesta por una exposición grupal multidisciplinaria en Casa T’AAN, explora la cultura material, la memoria y la regeneración ecológica.
La semana del arte no fue solo pintura o escultura. Este año, por primera vez, el Museo de Bellas Artes se convirtió en escenario para una performance de danza contemporánea con 60 bailarines: “Colosos” de Diego Vega Solloza. Inspirado por las obras de la escultora Geles Cabrera, la coreografía se llevó a cabo en un proceso de solo tres semanas, incluyendo una semana previa de un laboratorio llamado “Cuerpos Arquitectos”, desarrollado en diferentes espacios arquitectónicos. La obra “Colosos” surgió porque, según explicó, “pensé en el cuerpo a partir de lo que me hizo pensar la escultura de Geles Cabrera: que hay algo acerca de los volúmenes de sus piezas que da una gran energía. ‘Colosos’ representa la capacidad que tiene el cuerpo para expandirse, crecer y llenar una sala.”
Article and photography: Giulia Ricciotti @giuliaricciotti
